The BROOKLYN RAIL
Mi primer contacto con la obra de Catalina Chervin fue en Buenos Aires en 1992, en una visita al estudio. Debido a que esta era mi primera visita a Argentina, no tenía plena conciencia de las formas de arte contemporáneo que se estaban desarrollando entonces en ese país. Me sorprendió descubrir que el trabajo de Chervin se centró principalmente en obras en papel, no en objetos o conceptos, ni en grandes lienzos expresionistas. Sus fuentes surgieron de un estilo de dibujo figurativo que parecía, en ese momento, ajeno al arte politizado y de moda que se producía en el hemisferio norte. Tenía curiosidad por saber si el tipo de dibujos, grabados y obras relacionadas que Chervin produjo surgían de la observación de figuras reales con habilidades para posar o si eran figuraciones que se le ocurrían durante el trabajo. Pronto descubrí que era un poco de ambos.
A lo largo de los años, en futuras visitas a Buenos Aires, parecía que el trabajo de Catalina estaba cambiando, aunque lentamente y con gran deliberación. Siempre he apreciado el hecho de que su enfoque del arte fuera profundamente considerado y, a menudo, reconsiderado. Rechaza la idea de saltar de una idea a otra. En cambio, se toma su tiempo para trazar la dirección en la que quiere que vaya su trabajo. En los últimos años se ha hecho evidente que mientras su obra sigue revelando aspectos y trazos de la figura, la trayectoria de su desarrollo ha ido adoptando cada vez más la abstracción. Esto se hace evidente en su exposición actual en Hutchinson Modern & Contemporary Uptown.
Catalina Chervin, Sin título I (Serie de borrones) </em>, 2018. Carboncillo, lápiz y tinta de nogal sobre papeles Khadi, 30 x 24 pulgadas. Cortesía de Hutchinson Modern & Contemporary.
Catalina Chervin, Sin título I (Serie de borrones), 2018. Carboncillo, lápiz y tinta de nogal sobre papeles Khadi, 30 x 24 pulgadas. Cortesía de Hutchinson Modern & Contemporary.
La obra más grande de esta muestra, Sin título I (Serie de arte callejero) (2014–16), es una obra de técnica mixta sobre papel montado sobre lienzo. Desde mi punto de vista, este es un trabajo importante. Aunque a veces se describe como un díptico, quizás sea más apropiado designarlo como una pintura de dos paneles. Un díptico renacentista se compone de dos imágenes separadas que se muestran juntas como una sola; piense en imágenes discretas de santos reunidos en un solo retablo. Sin título I, por el contrario, está profundamente unificado, una imagen monumental repartida en dos superficies igualmente medidas.
El programa de Hutchinson nos brinda la rara oportunidad de ver un trabajo a gran escala de Chervin en relación con lo que hace en superficies más pequeñas. Otras obras de técnica mixta, como Retrato I (2009-13) y Retrato II (2006-17) son claramente impresionantes en su inventiva visual y articulación formal, pero son menos experimentales en su enfoque de la técnica mixta en comparación con Sin título I, que funciona como una pintura densamente saturada de tinta que se presenta con un brillo particular. Esto no quiere decir que los Retratos sean menos efectivos por derecho propio. En todos los casos, la manipulación que hace la artista de sus materiales va mucho más allá de un mero ejercicio formal, extendiéndose hacia cavernas luminiscentes del espacio interior que son una maravilla para la vista.
Otro elemento destacado en la exposición de Chervin es su Series of Blots (2018), cuatro trabajos en papeles Khadi hechos a mano. En cada uno de ellos, el artista emplea carboncillo, lápiz y tinta de nuez . La tinta se utiliza para crear formas “figurativas” que pueden servir como una evocación visual del cuerpo, más específicamente una referencia abstracta al autorretrato. Hay una especie de calidez espiritual que emana de estas obras que atrae al espectador hacia adentro. Representan el tipo de experiencia de forma abstracta que se pretendía originalmente en las primeras pinturas de Malevich y Kandinsky. Para estos artistas, el "sentimiento" individual era la contraparte necesaria para la forma.
Pasando de lo personal a lo literal, el artista ha incluido tres dibujos sin título cuyos títulos los identifican como parte de la serie Small Ink-Marks. Cada uno de ellos emplea un sistema de marcas variadas realizadas con tinta , lápiz y carbón sobre papel Saunders o Lanaquarelle. Está claro que estos dibujos tratan de cerca la literalidad de sus materiales, pero esto no les impide tener un contenido emocional. La tarea de reconciliar estos dos impulsos potencialmente divergentes ha sido persistentemente, a lo largo del tiempo, el foco de la práctica artística de Chervin. Sin embargo, para su mérito, opta por no hablar de este aspecto de su trabajo. De alguna manera, esto podría explicar su mayor participación en la forma abstracta. En lugar de producir una representación realista de la figura humana para evocar una respuesta emocional, su enfoque indirecto es permitir que la obra cree su propia sublimidad, sin ataduras en sus referencias externas.
Al llevar sus imágenes más allá de lo obvio y hacia lo insondable, Chervin crea incansablemente un arte que extiende el dibujo a una forma de meditación sobre su experiencia de la vida cotidiana. Desde mi perspectiva, hay una cierta magia en todo esto. Es un medio de dibujo que excede lo que se denomina "marcación" al llevar al espectador más allá de los límites del espacio de llenado diligente. En cierto punto, el contenido emocional de su trabajo toma el mando extendiéndolo a algo que podría llamarse universal. Dibuja el universo del sentimiento.
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